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" Charles Belmont, qui a produit et réalisé Pour Clémence, nous avertit : « Ce n'est ni un film sur le chômage des cadres ni un film réaliste. » Et pour que le spectateur ne fasse pas fausse route, le premier quart d’heure, en effet, contient une très belle séquence qui est une vision poétique de la ville à l’heure du départ au travail. Je dis bien du départ au travail tout en sachant qu’il y a des multitudes de gens qui partent travailler à des heures différentes. Mais précisément, cette séquence (...) n’est qu’une image fantastique, un peu oppressante, un peu inquiétante, mais irréelle, de cette migration quotidienne d’hommes et de femmes qui semblent obéir à des forces obscures. Une image dont les couleurs, des roses, des rouges, des mauves, nous agressent et nous enchantent à la fois.

Fini le travail, voici l’ingénieur en chômage livré à sa liberté. Redoutable liberté. Passée l’euphorie des premiers instants, l’homme en est encombré. Il essaie de visiter sa ville : elle lui apparaît terriblement morne et banale. Il va chercher Clémence à l’école : mais l’enfant n'a que faire de lui, elle a ses habitudes, ses camarades ; il fait la cuisine pour soulager sa femme : mais il la dérange pendant qu'elle travaille en lui parlant de choses futiles, comme font les femmes oisives avec leur mari... Peu à peu, il n'ose plus sortir, il a peur du regard des gens dans lequel il lit la même question que dans les yeux de sa fille, de sa femme... Enfermé dans son appartement, dans l’obscurité, il laisse couler le temps, sans parvenir à le saisir. Comment savourer le temps, soudain libéré, quand on a subi, pendant des années, la contrainte des horaires, des emplois du temps ? C'est un sujet qui est cher à Charles Belmont (...) le temps et la mort.

La mort et la violence contemporaine ne sont pas absentes de Pour Clémence. L'ingénieur, après avoir refusé un travail dégradant, prend conscience de la crise qu'il vient de traverser. Il sort de l’espèce de léthargie où l’inaction le plongeait. Il est prêt à affronter le temps, à le maîtriser seul, à renouer avec sa femme un dialogue devenu impossible, prêt à profiter, enfin, de ce temps qui lui a tant pesé (...)Sans vouloir faire dire au film de Charles Belmont ce que son auteur n’y a pas mis, on ne peut s’empêcher d'entendre dans Pour Clémence, comme dans chacune de ses œuvres précédentes (L'Ecume des Jours et Rak), la même question, non formulée, mais sur laquelle butent ses personnages comme sur une énigme : à quoi sert de vivre et de faire tous ces efforts pour gagner du temps, lutter avec le temps, employer le temps, si c’est pour finalement mourir... et mourir aussi bêtement que le héros de Pour Clémence ? Mais toute mort n'est-elle pas bête, absurde, inacceptable ?

Le cinéma de Charles Belmont a le mystère des œuvres qui plongent profondément dans la mémoire et l'expérience de leurs auteurs. Pour Clémence est un film troublant, magnifique et, de surcroît, superbement interprété par un chercheur du CNRS qui n’avait jamais joué la comédie : il s’appelle Jean Crubelier.

En produisant lui-même son film, Charles Belmont a joué son avenir, sa liberté de créateur, son crédit dans la profession. Un cinéaste qui prend de tels risques pour préserver sa liberté d’expression, pour « faire ce qu’il a envie de faire », comme dit Clémence, c’est devenu si rare qu’il faut se précipiter avant que l’espèce ait complètement disparu..."

"... Dans une société où chacun est justifié par son travail, peut-on se trouver, se réaliser alors que tout est fait pour que ceux « qui ne font rien » se sentent exclus, marginaux, un peu anormaux, et bien sûr coupables ? Un tel changement mine l’équilibre acquis dans tous les domaines : Michel a le temps et il joue avec Clémence, mais la découverte d’une autre logique que celle dans laquelle il a été façonné, le déconcerte; il s’occupe d’elle, mais il est perdu devant ses possibilités d’autonomie ; il lui arrive au moment de préparer le repas d’avoir le sentiment qu’il dérange Sarah en train de corriger des copies... Comment se situer dans une perturbation aussi générale ?

A l’extérieur ? Peu de secours... Les autres sont loin, inaccessibles. De sa fenêtre il peut découvrir les voisins d’en face : un homme mourant, une femme qui le veille : comment et pourquoi les approcher davantage ? La ville, quand elle n’est plus le décor à peine vu d’un itinéraire quotidien, prend une existence de « chose » belle, privée de sens.

Que d’interrogations fondamentales, angoissantes, qui sont forcément, à moins qu’on ne les nie, aussi les nôtres !

Et tout cela est exprimé par tout l’ensemble des moyens cinématographiques. La caméra, les éclairages, les acteurs, la musique, jouent «dans» le film. Et c’est là qu’on retrouve, en plus abouti, la création originale de Belmont qu’on a pu déjà déceler dans ses précédents films.

Nous sommes loin de tout naturalisme. La caméra n’est pas un objet qui enregistre : mouvements et cadrages affirment le regard vivant, compréhensif, presque encourageant d’une présence à côté du personnage qui coule dans l’élément nouveau qui l’environne ; la musique (composition de Michel Portai, remarquable et qu’on écouterait à part pour le plaisir d’elle seule) joue le même rôle : elle n’explique pas, elle n’accompagne ni ne souligne, elle intervient auprès du personnage. C’est un film qui engage à regarder, à écouter de façon active et donc qui démonte les jugements a priori.

On retrouve l’attention à la fois tendue, tendre et « non directive » du créateur aux personnages filmés qui rendait à la fois si émouvants et convaincants les personnages réels d’Histoires d’A. On retrouve les ruptures de ton, de style même, qui, comme dans Rak, tirent le spectateur de son confort habituel. Dans une séquence l’auteur tient à donner un enseignement sur l’histoire de l’exploitation dans les plantations de coton qui a permis la prospérité de l’industrie textile : il utilise ironiquement la visite du musée de l’usine par une animation des tableaux présentés, et il s’en dégage une dérision corrosive, tandis que tout didactisme est évité.

Dans une autre scène, un homme qui recherche vainement un travail sans lequel il ne sait plus vivre, exprime devant Michel son désespoir : la violence qui lui est faite par le rejet de la part des autres et par l’internement qu’on lui impose est exprimée par une mise en scène à ce moment là volontairement théâtrale, et d’un ton surréaliste, qui empêche un facile attendrissement sur cet homme et donne une force tragique à une situation généralisable à partir de lui.

Plus que pour les précédents, il est difficile de classer, de définir le genre de ce film enraciné dans la réalité et sans réalisme, où l’humour est présent dans le drame, où la poésie toujours là apparaît sous des facettes différentes, où lucidité et espoir s’expriment dans des nuances qui rendent inutilisables les mots d’optimisme ou de pessimisme... Dans une conversation un homme demande à Michel : « Vous êtes communiste ? ». Il lui répond : « Je suis ingénieur». Ce refus des étiquettes faciles et faussement sécurisantes, Belmont le concrétise dans sa création.

Le film est l’histoire d’une crise, et Michel laissé par Sarah à lui-même, à ses difficultés, à ses choix, évolue. Leurs rapports et le rôle de la femme sont d’ailleurs un sujet de réflexion, avec des perspectives jusqu’ici peu communes.

L’itinéraire difficile, et dans une orientation cependant positive, n’aboutit pas à une happy-end. Et la fin est un raccourci de tous les mérites du film, qui par le choix des cadrages et le rythme du montage refuse toute dramatisation où le spectateur puiserait une émotion épidermique, qui rend compte cependant (avec la présence de la répression policière, déjà notée au cours du film) des forces de mort dont dispose la société dans laquelle nous vivons et travaillons, et qui donne la parole à Clémence exprimant ses désirs. Le film s’appelle Pour Clémence...

Charles Belmont dit s’être donné le temps et les moyens d’une création libre ; son film montre que c’est sans doute la condition nécessaire pour produire une oeuvre somme, qui nous rencontre, nous spectateurs, dans nos interrogations et qui, ne donnant pas de solutions, nous serve à voir, soutienne notre lucidité, nous inquiète assez pour qu’on ait davantage le désir de comprendre le monde et nous-mêmes... et partant peut-être d’agir."