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"Si ce récit qui mêle petite et grande histoire est déjà fort en soi (on y trouve aussi le suspense d’une affaire de tueur en cavale puis d’une possible histoire d’amour naissante), que dire de la mise en scène très inspirée de Lunák, qui pointe la corruption et l’amnésie de la société stalinienne finissante, tire le meilleur parti des profondes forêts d’Europe centrale et de leurs mystères anxiogènes, décline toute la polysémie symbolique des trains, objets de voyages physiques ou mentaux, métaphores parfaites du cinéma, de la mémoire, de l’histoire et du XXe siècle.

Les personnages sont remarquablement dessinés, tant graphiquement que psychologiquement, le hors-champ est utilisé avec à-propos et le film avance dans un noir et blanc somptueux d’élégance et de puissance évocatrice.

Si la facture visuelle est magnifique, le son est minutieusement travaillé, de la musique au clapotis lancinant d’un robinet qui fuit, rendant ce film aussi sensible, précis et prégnant que s’il était tourné en prises de vues réelles.

Or justement, Lunák et son équipe sont partis d’un tournage réel avant de retravailler tous les plans aux crayons, selon le procédé de la rotoscopie.

Outre que cette technique très ancienne (brevetée en 1915 !) prouve que la performance capture n’a rien inventé, elle explique la fluidité de mouvements et la précision expressive des visages à l’œuvre dans Aloïs Nebel – et peut-être aussi pourquoi ce film d’animation m’a tant convaincu puisqu’il porte indubitablement l’empreinte des acteurs qui y jouent.

Pour autant, la technologie n’est qu’un moyen et ne saurait faire oublier l’essentiel : Aloïs Nebel est une splendeur à tous points de vue. Et je remercie Tomás Lunák de m’avoir montré que le cinéma d’animation pouvait produire des films aussi beaux, prenants et profonds."