Le championnat d'Europe de football aurait du s'ouvrir au soir du 12 juin, inaugurant un été riche en sport, ponctué notamment par les Jeux Olympiques de Tokyo. Les récents évènements en ont décidé autrement et, même si certaines compétitions reprennent au compte-goutte, ces grandes messes du sport fédératrices n'auront pas lieu. C'est pourquoi UniversCiné a décidé de combler, ou au moins tenter de le faire, à sa manière les fans de sport en proposant ses 10 coups de cœur sportifs au cinéma. Au programme : des destins hors du commun, des heures de souffrances et des génies dévorés par la passion ou l'exigence. L'occasion de constater une chose : si le sport est utilisé pour raconter des histoires incroyables comme lui seul peut en produire, il est aussi souvent l'occasion de porter un regard aiguisé sur la société.

Le Stratège, Bennett Miller

Le Stratège est l’adaptation du livre Moneyball de Michael Lewis basé sur l’histoire vraie de Billy Beane. Le film biographique a pour habitude de mettre en valeur des êtres d’exception, des êtres aux destins souvent extraordinaires, baptisés « success stories ». Billy Beane n'échappe pas à la règle. Si son nom ne vous dit rien, il a pourtant révolutionné le monde du baseball. Dans le film, Bennett Miller retrace le parcours de ce manager visionnaire à la tête de la franchise des Oakland Athletics. Grâce à de nouvelles méthodes de recrutements et de coaching de joueurs, basées uniquement sur des performance statistiques, Billy Beane a donné une autre dimension à son sport. 

Les quelques séquences d'archives de matches présentes dans le film sont parfaitement intégrées au récit, de façon ponctuelle, pour illustrer les plus belles victoires de l’équipe. Mais le "sport" baseball est finalement très peu présent à l'image car l’objectif du réalisateur n'est pas de nous faire aimer ce sport. Le Stratège ne se concentre pas sur le point de vue d’un joueur, icône charismatique, et médiatique, idole d'un peuple, comme on le voit le plus souvent dans les films mettant en scène le geste sportif, mais sur le point de vue plus "anonyme" ou caché d’un manager, incarné par Brad Pitt. Le cinéaste casse les codes habituels des films de sport basés sur une relation sportif-entraîneur et s’affranchit ainsi des clichés liés au genre, en permettant l’essor d’un nouveau héros de l’ombre. Les dialogues du film, écrits par Aaron Sorkin (scénariste de The Social Network), parviennent à nous faire comprendre toute la complexité et l'importance que Billy Beane veut accorder aux chiffres pour faire progresser son équipe. Dans ce flot de statistiques et de stratégie mathématique, jamais on ne se perd.

Un autre point qui participe de la réussite de l’œuvre, c'est la prestation de Brad Pitt dans le rôle complexe de Billy Beane, un homme aussi arrogant que touchant. Brad Pitt excelle pour interpréter toute la force mais aussi la fragilité de cet homme et rend l’œuvre et l'aventure sportive très humaine. 

I, Tonya Graig Gillespie 

Quiconque s’intéressant un peu à l'univers sportif a entendu parler de Tonya Harding, patineuse américaine soupçonnée d’avoir organisé l’agression de sa plus grande rivale, Nancy Kerrigan, en 1994. D’abord célèbre pour avoir été la première femme à réussir un triple axel en championnat, Tonya Harding a ensuite dû porter l’étiquette de « la femme la plus détestée des États-Unis ». Mais comment a-t-elle pu en arriver là ? Une intrigue sordide, un entourage familial nauséeux, entre une mère détestable et un mari violent, c’est le scénario de ce biopic qui retrace le parcours incroyablement triste de la patineuse.

L’originalité du film I, Tonya, réside dans le fait que l’histoire n’est pas racontée par un narrateur omniscient mais par les personnages principaux eux-mêmes, face caméra. Craig Gillespie brouille la frontière entre fiction et documentaire pour questionner la nature même du genre du biopic. La narration par le témoignage construit l’œuvre comme une enquête, où chaque protagoniste est suspecté d’avoir été l’élément déclencheur du déclin de Tonya, à commencer par Tonya elle-même. D’autre part, le cinéaste exclut toute image d’archive, préférant recréer toutes les scènes sportives de patinage ainsi que les scènes de témoignages avec les acteurs. Les archives ne viennent qu’au générique, pour prouver la fidélité des reconstitutions à la réalité et combien Margot Robbie est crédible dans sa ressemblance avec la vraie Tonya Harding.

Tout l'intérêt de l’oeuvre est de dévoiler les dessous de la carrière sportive d’un athlète de haut niveau. Dans ce milieu sportif, l’excellence et la maîtrise ne suffisent pas. L’athlète doit devenir la représentation patriotique parfaite de son pays. C'est d'autant plus vrai dans le patinage où les règles et usages sont très stricts et la pratique réservée à une élite. C’est en cela que Craig Gillespie ne signe pas un énième biopic lisse et consensuel. Il dépeint avec justesse les enjeux du patinage, où l’effort extrême ne doit jamais rider le visage, perpétuellement radieux, renvoyant à une mise en scène permanente de soi, en faisant émerger toute la brutalité morale qu’il contient et toute la violence dont a hérité Tonya Harding.

Free to run, Pierre Morath

Pierre Morath, athlète et documentariste suisse nous plonge dans l’Histoire de la course à pied. Véritable ode à la liberté, Free to run est un magnifique hommage au running. Nul besoin d’être un fervent pratiquant de la course pour apprécier ce film. Même s’il traite de la dureté de ce sport, l’association d’interviews et d’images d’archives nous donne à voir une œuvre remplie d’émotion. Pierre Morath réalise une chronologie passionnée de la course à pied, des années 60 à aujourd’hui, mettant en lumière les pionniers du running : Kathrine Switzer, Joan Benoit, Steve Prefontaine et bien d’autres. On suit le destin de ces personnes, dont les noms sont aujourd’hui méconnus mais qui ont changé les mœurs sociales et économiques à travers ce sport.

Du Bronx à Central Park, des États-Unis à l’Europe, la course à pied se révèle être un véritable engagement politique et les coureurs de vrais militants : avant tout pour qu’elle soit reconnue comme un sport et non plus comme une discipline de marginaux, mais aussi dans un combat pour l’égalité des sexes. Le simple fait de courir une longue distance devient un symbole de l’émancipation féminine. Si aujourd’hui il est impensable d’imaginer que la course à pied soit interdite aux femmes « pour causes médicales », c'est bien le résultat d'un combat obstiné mené par les athlètes pour que les femmes soient libres de courir la même distance que les hommes. Le running a ainsi permis une remise en cause des préjugés et une libération du corps des femmes. Cette liberté de courir s’est acquise par une lutte sociale ancrée dans l’histoire moderne américaine. Le running se relève être finalement un miroir de la société US : de la révolution sociale et culturelle de l'année 68 jusqu’aux crises économiques des dernières années.

Substitute, Vikash Dhorasoo et Fred Poulet

L’histoire de ce film, c’est d’abord une collaboration surprenante entre un artiste, Fred Poulet, et un sportif de haut niveau, Vikash Dhorasoo. Quand le cinéaste rencontre le footballeur, il lui propose de filmer son quotidien à l’aide de deux caméras Super 8. Et pas n’importe quel quotidien ! Nous sommes en avril 2006, deux mois à peine avant le début de la Coupe du Monde de football. Vikash Dhorasoo est sélectionné pour partir en Allemagne avec l’équipe de France. Rien n’est vraiment écrit. Les deux amis, devenus collaborateurs artistiques, se retrouvent au Havre d’abord, à Paris, puis finalement en Allemagne. L’idée première était de filmer la coupe du monde de l’intérieur, et non pas simplement comme le ferait un journaliste extérieur. Substitute va finalement se révéler être un tout autre objet audiovisuel : Vikash Dhorasoo ne jouera que 20 minutes pendant cette Coupe du Monde pleine de rebondissements alors que son équipe ira jusqu’à la grande finale à Berlin. Ce documentaire va devenir le journal de bord, rempli de mélancolie d’un joueur remplaçant. Ce ne sont pas les entraînements et les matchs que nous propose de voir le footballeur, mais son quotidien dans les chambres d’hôtel, dans les transports… Ce documentaire parle avant tout de solitude et de déception. Vikash Dhorasoo nous fait part, par de réelles confessions, de toute sa tristesse d’être laissé sur le banc de touche. Le joueur n’arrive plus à se réjouir des victoires successives de son équipe tellement il se sent mis à l’écart. Nous sommes bien loin de tout l’engouement populaire autour de l’évènement planétaire.

Pourtant, sous nos yeux, un miracle se produit : dans toute cette amertume, une étincelle, la naissance d’une amitié. Vikash Dhorasoo et Fred Poulet paraissent plus complices que jamais et Substitute devient le vrai vainqueur de cette aventure. Si le footballeur n’a pas réussi à se confier à son entraîneur Raymond Domenech, il trouve en Fred Poulet un vrai mentor et complice. Le documentaire est finalement très touchant, notamment grâce au format Super 8 qui rappelle les films de vacances en famille.

Ali, Michael Mann

Le film de boxe est devenu un genre à part entière dans le champ cinématographique. King Vidor a été l’un des premiers à réaliser un film sur la boxe, Le Champion, en 1931 et déjà à l’époque, la boxe servait de prétexte pour aborder des problématiques sociétales. Mais on le sait, le cinéma se nourrit aussi d'action, de combats et d'opposition et la boxe, dans sa simplicité bestiale, s’est bien évidemment révélée être l’un des sports les plus adaptés pour illustrer toute la dramaturgie et la symbolique de l'affrontement.

De cette relation foisonnante sont nés beaucoup de films. Parmi eux, Ali, le film que Michael Mann a consacré à “The Greatest”, Muhammed Ali, se détache. Dans la peau du champion, Will Smith, un choix gagnant puisque l’acteur arrive de façon bluffante à remplir le costume d’Ali, forcément démesuré. Les combats sont chorégraphiés avec une réalité époustouflante, au point de ne jamais sembler joués mais réellement vécus. Pari difficile à relever tant Martin Scorsese ou Sylvester Stallone ont placé la barre haut ! Mais pari réussi par Michael Mann qui nous fait vibrer par la minutie de sa mise en scène, en nous immergeant totalement sur le ring grâce à une mini caméra embarquée sur l’épaule de Will Smith. 

Mais tout ne se passe pas entre les cordes et ce qui est également très justement évoqué, c'est la quête d’identité de Cassius Clay. S’il s’acharne sur le ring, l'homme ne cesse de se battre aussi dans sa vie personnelle. Cassius Clay est entré dans la légende, autant avec ses coups de poing qu'avec ses coups de gueule. Il se déclare d’abord comme étant Cassius X, ce “X”, d’abord porté par Malcolm, faisant référence au rejet de son nom d'esclave, pour enfin devenir Muhammed Ali, celui qu’il a toujours voulu être, avec ses convictions politiques et religieuses. Le cinéaste insiste sur cet aspect identitaire, pour expliquer l'icône qu'il deviendra, « le champion du peuple », et le porte-parole de sa communauté.

Ali est un film politique dans le sens où Muhammed Ali y est perçu comme le révélateur d’une période, d’une société et d’un monde qui bouge. En commençant par son premier championnat du monde remporté en 1964 pour finir par sa plus belle victoire à Kinshasa au Zaïre en 1974, Michael Mann réalise une fresque de 10 ans sur l’Amérique, où l’abolition progressive de la ségrégation et la guerre du Vietnam ne cessent de diviser les Américains. Ali, devient alors le reflet d’une époque et d’une identité qui semble encore nous échapper.

Lenny Cooke, Benny Safdie, Joshua Safdie

Lenny Cooke. Un nom d'abord synonyme d'espoir, quand, en 2001, le new-yorkais Adam Shopkorn décide de suivre la star montante du basket américain. Il ne fait alors aucun doute que le natif d'Atlantic City va intégrer la NBA, le Graal des basketteurs du monde entier, pas simplement pour devenir un joueur professionnel, mais une légende. Il est alors le meilleur de sa génération, surpassant un certain LeBron James ou des joueurs comme Carmelo Anthony. Ce n'est qu'une question de temps et Cooke, pressé, n'en a pas beaucoup : tellement sûr de sa force, il se paie le luxe de tenter la draft en 2002 sans poser les pieds à l'université, passage obligé pour la plupart des sportifs professionnels américains. C'est à ce moment que le vent choisit de tourner. Après une draft qui le voit être snobé par la totalité des franchises NBA, il végète dans des ligues mineures avant de se retirer dans l'anonymat le plus complet, vaincu par les blessures. Les images de Shopkorn, censées témoigner d'un succès écrit d'avance, n'ont plus de raison d'être. Le réalisateur rencontre alors les frères Safdie, les nouveaux wonderkids du cinéma indé, et passe le relais. Au duo de raconter une autre histoire, celle de l'échec de Lenny Cooke, et un peu celle de l'Amérique.

Les Safdie retrouve Lenny Cooke dans la banlieue où il végète avec 20 kilos de trop et des regrets pleins la tête. Produit par Adam Shopkorn et Joakim Noah, le film qui aboutit de cette rencontre mêle les images de l'ascension à celle du point de chute de Lenny Cooke pour retracer la courbe vertigineuse de sa carrière, celle d'une ex-future légende. Dans un pays qui ne jure que par l'ascension sociale à la seule force des bras, la trajectoire de Lenny Cooke, vaincu par son ego et l'assurance d'avoir déjà réussi, résonne drôlement. Avec un sens du montage et de la dramatisation aigu (qui conduit d'ailleurs à un final complètement lunaire au goût douteux, seul point noir du film, dans lequel Cooke s'adresse à son moi de 20 ans) les frères Safdie restitue l'explosion d'un rêve américain parmi les autres, dont les débris sont tombés dans les marges. Ces mêmes marges que l’on retrouve dans leur travail de fiction.